O Grupo ZERO, de que fizeram parte Piero Manzoni, Lucio Fontana, Yves Klein, Jean Tinguely, Yayoi Kusama, Otto Piene, Heinz Mack, Günther Uecker entre outros, está a ser objecto de uma exposição no Stedelijk Museum de Amsterdão. Nas décadas de cinquenta e sessenta, o grupo desenvolveu obras e performances marcadas por pesquisas experimentais relacionadas com novos materiais e «media», como o fogo, a luz, o movimento e práticas espaciais. 

O nome ZERO, que foi criado por Heinz Mack e Otto Piene em Düsseldorf, em 1957, para nomear um novo movimento e uma revista, teve também muitos autores interessados em pesquisas similares na Holanda, em França, Itália, Bélgica, Japão. Actuando com uma rede internacional, estes artistas desenvolveram em conjunto intervenções, performances,  múltiplos e várias publicações.  

Importante para a inscrição do movimento foi a organização colectiva de exposições em galerias, museus e ateliers desta rede internacional de artistas.  Em 1962, o Stedelijk Museum foi o primeiro museu a apresentar o grupo ZERO, seguindo-se em 1965 uma mostra mais completa dos seus trabalhos.

Para celebrar esta data, passados cinquenta anos, o museu mostra «ZERO – Let Us Explore the Stars», com obras de Armando, Heinz Mack, Henk Peeters, Otto Piene, Jan Schoonhoven, Günther Uecker, Lucio Fontana, Yves Klein, Piero Manzoni, Jean Tinguely, e Yayoi Kusama, exposição que marca a conclusão de um projecto de investigação que teve por objectivo analisar a importância desta rede internacional de artistas no panorama artístico europeu do pós-guerra. Até 8 de Novembro no Stedelijk Museum.  SVJ

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 «… a sombra dita a luz / não ilumina realmente os objectos / os objectos vivem às escuras / numa perpétua aurora surrealista / com a qual não podemos contactar / senão como os amantes / de olhos fechados / e lâmpadas nos dedos e na boca» (Mário Cesariny). 

Através de um conjunto de fotografias captadas pela objectiva de Duarte Belo (1968), a exposição «Cesariny – Em casas como aquela», patente no Museu da Electricidade a partir de 4 de Setembro, desperta-nos o espírito voyeurista e abre-nos as portas da casa de Mário Cesariny (1923-2006) na Rua de Basílio Teles, n.º 6, em  Lisboa (Campolide), na qual o artista morreu, na madrugada do dia 26 de Novembro, aos 83 anos, e onde viveu os últimos anos de vida na companhia da sua irmã mais velha, Henriette, até esta falecer.

A mostra permite-nos, assim, a preto e branco, entrar no seu espaço doméstico e conviver com a aparente desordenação  –  com contornos previsivelmente surrealistas – de objectos acumulados, como livros, quadros, manuscritos e esculturas que faziam parte do quotidiano de um artista multifacetado,  que marcou com singularidade, também pela sua personalidade ímpar, a cena artística portuguesa, e cuja obra (poética e plástica) sempre assumiu uma postura de ruptura e subversão, mas também de humor.

As fotografias foram encomendadas no âmbito da atribuição do Grande Prémio EDP – Artes Plásticas, em 2002, a Cesariny que as chegou a ver, adjectivando-as de «lindas». Comissariada por António Gonçalves, a mostra resultou de uma parceria com a Fundação Cupertino de Miranda. O livro correspondente foi publicado previamente, em 2014, com o apoio da Fundação EDP, por ocasião dos «VIII Encontros de Mário Cesariny». Nele pode ler-se: «Estas fotografias de Duarte Belo são como um navio de espelhos onde o mundo fechado de Cesariny nos entrega os seus sinais, as suas sombras, as suas solidões, os seus sóis, os seus fantasmas, os seus funâmbulos.» (José Manuel dos Santos). CC

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A artista e designer Corita Kent (1918-1986), Irmã do Sagrado Coração de Maria, é um caso na história da arte contemporânea. Entre 1947 e 1968, Corita ensinou arte num colégio daquela ordem em Los Angeles, coordenando ateliers e workshops de gravura e serigrafia, tendo sido nesse contexto que se dedicou nos anos 60 à produção de trabalhos de inspiração Pop.

Na sua obra combinou referências da cultura e da arte popular, com reflexões de natureza política e filosófica, envolvendo-se em acções activistas e produção de trabalhos muito empenhados, que incluíam mensagens de esperança e fé religiosa, através das quais questionava o racismo, a guerra e a pobreza. São estas várias dimensões do seu trabalho que estão agora em exposição no Pasadena Museum of California Art.

«Someday is Now: The Art of Corita Kent» reúne toda a obra da artista, constituindo um vasto levantamento das peças que marcaram um percurso de três décadas dedicado à actividade artística e ao seu papel de activista e sobretudo de educadora, no contexto de um período revolucionário e significativo da história americana.
A mostra está no Pasadena Museum of California Art até 1 de Novembro. SVJ

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Thomas Ruff, um dos mais destacados ex-alunos de Bernd e Hilla Becher, apresenta na Galeria Gagosian, em Londres, «Nature Morte», uma exposição de negativos de grande formato representando plantas.

Depois de abandonar a fotografia tradicional em meados dos anos 1990, Thomas Ruff trabalhou principalmente com imagens apropriadas e de várias proveniências: catálogos impressos, negativos científicos encontrados na internet, imagens pornográficas. O seu trabalho materializa-se em diferentes séries, que vem realizando ao longo de mais de 15 anos, construindo uma obra ecléctica não definida por género, método ou tema, mas sim por imagens despojadas, impressas e dispostas serialmente. Thomas Ruff investiga a gramática e a estrutura da fotografia; a sua obra é aberta e experimental, e nela utiliza tecnologias contemporâneas e antigas, testando os limites do suporte fotográfico. Mais recentemente, tem estudado o fotograma, actualizado para um ambiente digital 3-D, apresentando-o em imagens de grande escala.

Nas obras presentes na galeria Gagosian, Ruff demostra o seu interesse por trabalhar o negativo fotográfico, afirmando:  «O negativo nunca foi considerado por si mesmo, sempre foi apenas um meio para um fim. Era a ‘matriz’ a partir da qual a cópia fotográfica era feita, e eu acho que vale a pena olhar para estas ‘matrizes’».

Na exposição apresenta-nos assim um conjunto de trabalhos em que explora as propriedades visuais e evocativas do negativo fotográfico, através da representação de uma série de plantas e naturezas mortas, que em negativo adquirem uma dimensão escultórica. O tamanho das cópias, 29 x 22 centímetros, corresponde aproximadamente à escala das placas de vidro que poderiam ser expostas a partir de uma câmara no século XIX.
Revisitando técnicas históricas para inventar géneros meta-fotográficos, Ruff continua a expandir a aparência das imagens, os temas e as possibilidades da fotografia captar tanto visões familiares como estranhas da nossa realidade. A série «Nature Morte» está patente na Galeria Gagosian, em Londres, até 26 de Setembro. MM

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O Museu Martin-Gropius-Bau, em Berlim, apresenta até 23 de Agosto a exposição «Fassbinder – JETZT», organizada pelo Deutsches Filminstitut em colaboração com a Rainer Werner Fassbinder Foundation.  A mostra integra-se num ciclo de programação que celebra o nascimento do realizador alemão Werner Fassbinder (1945-1982). Nascido em Munique, Fassbinder manteve uma relação especial com a capital alemã, onde rodou «Berlin Alexanderplatz» (1979–80), a partir do romance de Alfred Döblin (1929).

A abordagem curatorial é historiográfica, pretende mostrar material e documentos do legado do realizador mas também salientar a relevância da sua obra para a criação contemporânea.
Numa primeira parte do circuito expositivo apresentam-se materiais de arquivo e do seu espólio, documentos e objectos originais relacionados com os seus projectos e o contexto de trabalho. Expõe-se guiões, a máquina de escrever, cartas e notas pessoais do cineasta, dactilografadas e manuscritas, bem como material de imprensa e entrevistas televisivas que dão conta da relevância do seu trabalho e da imagem e discurso público do realizador. Há também espaço para revelar a colecção pessoal de cassetes VHS, em que Fassbinder gravava programação televisiva. 
Esta visão sobre a trajectória e processos de trabalho do realizador, complementa-se com a apresentação de esboços e figurinos emblemáticos dos seus filmes, como o de Hanna Schygulla em «Lili Marleen» (1980) ou os uniformes dos marinheiros de «Querelle» (1982).
Uma outra parte essencial da exposição, mostra excertos das suas obras – como a famosa cena de 360º graus de «Martha» (1973) –, focando temas, dispositivos e a estética da sua cinematografia, assim como  o legado e influência da sua obra para a criação contemporânea.

A acompanhar a visão histórica sobre o universo do autor, surgem representadas obras de artistas contemporâneos – de Runa Islam, Jeroen de Rijke / Willem de Rooij, Tom Geens, Maryam Jafri, Ming Wong e Jeff Wall – que, directamente ou indirectamente, se relacionam com a cinematografia de Fassbinder.

Se em «Tuin (Garden)» (1998), Runa Islam referencia «Martha» (1973), em «Lerne Deutsch mit Petra von Kant» (2007), Ming Wong deriva para a teatralização satírica, orientalizante, de «As Lágrimas Amargas de Petra von Kant» (1972). SVJ

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